Salud y Servicios Sociales coordinan una campaña contra las adicciones a partir del cortometraje 'Tríptico'





Los dos Departamentos han dado a conocer material didáctico de prevención que se dirigirá, en este caso concreto, a población inmigrante. Las consejeras Noeno y Fernández coinciden en señalar que las políticas de prevención en edades cada vez más tempranas 'son fundamentales'.

Una iniciativa conjunta de los Departamentos de Salud y Consumo y Servicios Sociales y Familia va a permitir difundir material didáctico basado en la prevención de drogas entre la población joven aragonesa. Se trata de una campaña de difusión que fomentará actitudes de promoción de la salud y que se basa en el trabajo ganador del VIII Festival de Cortometrajes y Spots Cine y Salud. El corto ganador que se titula Tríptico, fue realizado por los alumnos del Instituto de Enseñanza Secundaria Miguel Servet de Zaragoza y su contenido sobre la prevención de drogas entre los más jóvenes encaja perfectamente con el mensaje que expertos en esta materia creen que debe llegar a la juventud en contextos de ocio y tiempo libre, más allá del ámbito educativo.

En este Festival, organizado por la Dirección General de Salud Pública, se creó un premio especial Prevención de Adicciones en colaboración con el proyecto Drojnet 2 que trabaja en nuevos servicios de información sobre la drogodependencia entre jóvenes a través de Internet. Ese reconocimiento especial premió la elaboración de materiales que fomentaran la reducción de riesgos referidos al consumo de alcohol en lugares de ocio, tal y como quedó reflejado en el trabajo ganador.

La colaboración para la edición y difusión de este trabajo tiene un doble objetivo: por una parte, la promoción de la salud y la prevención de adicciones entre la población joven y por otra, manifestar la diversidad de la juventud aragonesa con la presencia de personas extranjeras en los mensajes e imágenes. En este sentido, la campaña es un ejemplo de la normalización que la sociedad está haciendo de la convivencia entre la población inmigrante y autóctona. Para la difusión de este mensaje se han editado 2.500 ejemplares del DVD y, junto a su guía didáctica, se distribuirá en el ámbito asociativo, incluyendo a las asociaciones de inmigrantes, centros juveniles y educativos.

La realidad en Aragón es que hay un descenso generalizado en la edad de inicio en el consumo de sustancias y que existe un aumento en el consumo ligado al ambiente festivo. También se ha detectado una alta prevalencia de consumo de alcohol y tabaco y un incremento en el consumo de cannabis. Estos, entre otros factores, son los que han llevado al Gobierno de Aragón a trabajar en políticas de prevención en edades cada vez más tempranas en entornos como lugares de ocio, fiestas, etc.

Algunos indicadores
La última encuesta hecha en Aragón a jóvenes de entre 14 y 18 años aporta datos como que el alcohol es la sustancia más consumida: un 84,8% declara haberlo tomado alguna vez en su vida. La segunda sustancia más extendida entre los jóvenes de esta edad es el tabaco. El 53,1% de los jóvenes aragoneses aseguran que alguna vez lo han probado mientras que el 23% declara fumar a diario. El consumo de cannabis es otro factor a tener en cuenta en la elaboración de las campañas preventivas ya que es la droga ilegal más extendida: el 29,5 por ciento de estos jóvenes aseguran haberla consumido en los últimos 30 días antes de la realización de la encuesta.

03 EL EQUIPO (y IV): Equipo de dirección artística y equipo postproducción • Pautas y pistas en la creación de un cortometraje


Dirección artística: la estética de la película es responsabilidad de este equipo.

Equipo dirección artística y equipo postproducción


¿Quiénes forman el equipo de dirección artística?

Entendemos que la estética de la película es responsabilidad de este equipo, integrado por varios departamentos: maquillaje, peluquería, decorados, atrezzo, vestuario… Trabajan en estrecha colaboración con el director de fotografía. Para ello se hacen pruebas de cámara que determinan el maquillaje de los personajes, los colores del vestuario, estampados, etc. El director chequea a través del monitor y toma decisiones según la imagen, el “cómo da por cámara” es fundamental si queremos evitar 'sorpresas' de última hora, en el rodaje (cómo ocurre con el efecto moirè de algunos estampados…). Estos son algunos cargos:

Director de arte/Decorador: Normalmente, el director de arte es también el decorador. Se encarga del diseño estético de la película, menos de la luz y la fotografía, departamento con el que trabaja mano a mano. Si hubiese que construir decorados, él se encargaría de diseñarlos, con un ayudante y un jefe de construcción que trabaja con carpintería, pintores, etc.

Regidor de arte: Esta figura hace de nexo entre producción, y arte. Se encarga de administrar el presupuesto destinado a materiales, objetos, muebles… consigue el atrezzo, y se conoce los mayoristas con los que negocia el mejor precio. Se responsabiliza de las facturas del equipo de arte, y de gestionar sus gastos.

Attrezzista y asistentes de atrezzo: El atrezzo es todo aquel objeto que aparece en el plano, tanto de decoración, como objetos fundamentales que los actores deben manipular —como una taza, un libro, etc.— fundamentales para la secuencia. El attrezzista se encarga de colocarlos, antes de cada toma, y mover cualquier “objeto” dentro del decorado, según instrucciones de dirección. También cuida su mantenimiento, y reparación si hiciera falta. Los asistentes se encargan del transporte, y mover los objetos más pesados.

Vestuario: El equipo de vestuario se encarga de tomar medidas, arreglos, mantener el racord durante los diferentes días de rodaje, de toda la ropa y accesorios que sean necesarias durante el rodaje. Para ello, cuentan con un sastre de rodaje, ayudante de vestuario (principalmente se encarga del vestuario de los figurantes, hacer pruebas con los actores y el director…), el jefe de equipo (figurinista) diseña el vestuario especial de época, o ciencia ficción… la ambientación es muy importante, y deduce de la lectura del guión la personalidad de cada personaje, (se reúne con los actores, para trabajar en la misma línea de construcción de personaje). Cuando no hay mucho presupuesto, se recurre incluso al fondo de armario de los propios actores…

Maquillaje y peluquería: El trabajo de maquillaje y peluquería está estrechamente ligado. A veces, son el mismo equipo, dependiendo del presupuesto. No solo se encargan de maquillar, y peinar a los actores. También de los sucesivos retoques, durante el rodaje, mantener la continuidad y quitar brillos. Supervisan a los actores, antes de rodar cada plano. En peluquería, se encargan de los postizos, pelucas, cortes de pelo, tintes, etc. Cada personaje requiere un peinado, y ellos son los encargados de modificar el pelo natural de cada actor según proceda.

Caracterización: maquillaje especial que requiere de conocimientos específicos, para crear heridas, deformaciones, sangre…

Equipo de Postproducción: Montaje-edición y montaje de sonido

El montador se encarga de montar la película; trabaja con el director y puede hacer sugerencias que afecten a la estructura del guión. Se dice que en el montaje, se vuelve a escribir la película. Normalmente se trabaja con dos programas especiales: AVID, o FINAL CUT. No es extraño que este proceso se alargue en el tiempo, y dure más que el propio rodaje.

El montaje de sonido es uno de los procesos más meticulosos. Se trabaja con el sonido directo grabado durante el rodaje, y se pule o incluyen efectos sonoros. A veces, es necesario doblar algunos diálogos con los actores.

Etalonaje. El etalonador, se encarga de las correcciones de color, luz, perfeccionar la fotografía de la película, muchas veces el mismo director de foto se encarga de esta función.

© Eva Pallarés 2010

03 EL EQUIPO: III. Equipo de cámara y sonido • Pautas y pistas en la creación de un cortometraje


Mano a mano el realizador y el director de fotografía eligen la estética de las imágenes. © 2010

Equipo de Cámara y Sonido


Los equipos de cámara y sonido son importantísimos, sobre todo para darle una calidad lo más profesional posible al trabajo. Las producciones amateur se suelen resentir en estos dos campos, tanto en la fotografía y el sonido. No es extraño, ya que suele ser caro alquilar el material, y encontrar un buen profesional con experiencia que se embarque en una producción de bajo coste. Ya que figurar en los créditos finales, le responsabilizan también de la calidad de la misma.
Actualmente, el público está más acostumbrado a una “mala imagen”, mientras se “entienda” lo que dicen. Dado que la piratería, y canales como youtube, donde se cuelgan trabajos audiovisuales con una imagen bastante deteriorada, o pixelada, el “ojo” del espectador se ha habituado a consumir los productos así —esto, desgraciadamente, para los puristas de la imagen es una realidad—. Sin embargo, un sonido sucio e ininteligible molesta mucho más, y hace que la atención acabe perdiéndose, como ocurre en las salas de exhibición cuando hay un problema de sonido. Se producen más quejas, que si está mal el encuadre, o desenfocado un plano. Un esquema breve de los dos equipos, podría ser el siguiente:

• Equipo de Cámara

Director de fotografía.
El director de fotografía, es uno de “los pesos pesados” imprescindible para poder realizar un cortometraje. Su mirada, y su criterio plástico es fundamental; junto con el director –mano a mano– eligen la estética de las imágenes, para ello mantienen una comunicación fluida y varias reuniones.
Dependiendo de los recursos de la producción, elige qué cámara utilizar, y qué equipo precisa para trabajar. Durante el rodaje es el encargado de iluminar cada plano, y para ello elige la posición de los focos, también marca el horario dependiendo de la luz, cuando se rueda en un exterior y en postproducción supervisa el etalonaje. Bajo sus órdenes directas se encuentran los ayudantes, y el equipo de eléctricos.

Operador de cámara.
Suele manejar la cámara, y se responsabiliza de los encuadres, siempre bajo la mirada del director, puede sugerir planos o tiros de cámara, según su criterio. Es coordinador de las grúas, travellings, etc. En producciones de bajo coste, el director de fotografía también es el operador de cámara.

Ayudante de cámara.
Se responsabiliza de medir la distancia focal, mando de foco, y de mantener limpia y en orden todo lo que tiene que ver con la cámara.

Foto fija.
Es el fotógrafo que durante el rodaje toma fotos en el set, con los actores en posición (como en las escenas que se están rodando) para la promoción, y ficha de distribución. Aprovecha la misma iluminación, y normalmente realiza las fotografías durante las pausas, entre plano y plano, o al final.

Eléctricos.
Se encargan de los cables, los enchufes, y mantenimiento de focos.

Equipo de Sonido

El trabajo de sonido se divide en dos fases: sonido directo (durante el rodaje) y mezcla se sonido (postproducción). No siempre son el mismo equipo, en producciones con más recursos económicos se contratan por separado.
El sonido directo es fundamental para obtener una buena calidad final. Para ello, utilizan micrófonos y pértigas que recogen los diálogos de los actores; pueden repetir una toma si se ha colado un ruido. Acercan al máximo los micros, aunque su limitación dependerá del tamaño del plano.
El equipo está formado por un jefe de sonido directo (recoge el sonido, y chequea con los cascos que está lo más limpio posible), y un ayudante de sonido (sostiene la pértiga, y se encargará de colocarla en el sitio adecuado).

Propuesta didáctica

Grabar por equipos varias secuencias cortas (en interior, y exterior), con diálogos.

Luego chequear los planos, y analizarlos desde el punto de vista
del sonido y la imagen teniendo en cuenta varios aspectos como si está rodado en un interior o en un exterior. Y las dificultades que en cada caso nos encontramos.
Por ejemplo: Lograr un sonido limpio en un exterior es mucho más complicado que en un interior. ¿Por qué? ¿Qué debemos tener en cuenta a la hora de elegir una localización u otra? ¿Y qué ocurre con la luz?


© Eva Pallarés 2010

03 EL EQUIPO: II. Equipo técnico. Producción y dirección • Pautas y pistas en la creación de un cortometraje

Podemos simular una reunión de ambos equipos y “planificar” un día de rodaje ©2010


Equipo técnico. Producción y dirección.

El equipo de producción de un cortometraje obtiene la financiación y lleva el control de facturas, gastos de traslados, de catering, de alquileres de equipos (sonido, cámara…). Si el proyecto fuese profesional, se encargaría también de contratos y seguros sociales. Básicamente cubre las necesidades tanto técnicas como de personal en todas las fases: preproducción, rodaje, postproducción. Esquema resumido de los puestos que nos encontramos sería el siguiente:

El productor (en general): El productor es el dueño de la película. Su figura estás más cerca de la de un empresario; su fuente de financiación suele venir de las subvenciones, capital privado, coproducciones, los canales de TV y taquilla. En una producción doméstica, el productor suele ser también el director.

Director de producción: Diseña el plan de producción asequible, y adaptado a los recursos económicos; buscando la mejor manera más ahorrativa, y ajustada posible. También es el encargado de seleccionar los proveedores y personal. Su labor se centra en la preproducción y supervisa la postproducción.

Jefe de producción: El jefe de producción se responsabiliza durante el rodaje de cuadrar los presupuestos, y resolver los problemas que puedan surgir. Es el jefe de los auxiliares, asistentes…

Auxiliares de producción: Ayudantes del jefe de producción; suelen conducir los coches para los traslados de equipo, actores, etc. Deben estar disponibles en todo momento, para las tareas varias que les asignen, tanto de mantenimiento como funciones imprevistas que puedan surgir.

En una producción totalmente amateur, el concepto de producción se limita a conseguir “cosas” y buscar localizaciones, generalmente seleccionadas por el director. Conseguir favores y equipos a coste cero. Dirección y producción van de la mano, y apenas se diferencia. Si el director, pone dinero de su bolsillo, y llama a unos “colegas” para que colaboren —como director de fotografía, actores, auxiliares, etc.— entendemos que no existe la figura del productor…

En una producción media, el equipo de dirección se compone de:

El director: Una expresión muy utilizada en el “mundillo”, dice del director: “es el que tiene la película en la cabeza”. También se suele decir que se pasa el tiempo respondiendo a preguntas, y en definitiva lo que se espera de él es que asuma todas las responsabilidades artísticas de la pieza. El director, estará en todos los procesos, como en la sala de montaje y durante las pruebas de etalonado (corrección de color) y muchas veces también escribe o co-escribe el guión. Esa visión 360º, es la que le otorga la “varita” mágica de satisfacer todas las dudas. Durante el rodaje, se hace cargo exclusivamente de la dirección de actores, para ello anteriormente se habrá reunido con todos los jefes de equipo, para dar las instrucciones necesarias para la ejecución del plan de rodaje (diseño de planos).

Ayudante de dirección: Es el “director” del resto de equipos, y lleva el control de tiempos y recursos. Por ejemplo: controla lo que va a tardar el actor en estar listo para cada plano, maquillaje, e iluminación. Suele contar con un segundo ayudante de dirección (controla las citaciones del equipo, de actores, y se hace cargo de la figuración…), y con varios auxiliares de dirección (cortan el tráfico…).

Script: Es el encargado de la continuidad, racord tanto de atrezo, como de vestuario, maquillaje, acciones de los actores… También sigue los diálogos, y es el que lleva el control de los cambios que incorpora el actor entre una toma y otra.


Propuesta didáctica
Dividir por grupos la clase, en función de estos dos equipos (dirección y producción), luego simular una reunión de ambos equipos y “planificar” un día de rodaje, en base a una escena seleccionada anteriormente. Teniendo en cuenta, la localización, espacio, tiempo, y necesidades técnicas. El director, debe escribir un plan de rodaje, detallando plano a plano como quiere rodar la secuencia.


© Eva Pallarés 2010

Decálogo para la construcción de mensajes saludables en piezas audiovisuales (Festival Cine y Salud)





UNO
Valorar lo que pretendemos provocar en el espectador: cuestionamiento, crítica, denuncia, defensa de la dignidad, solidaridad. Diseñar qué emoción se quiere provocar (sentimiento) y a qué actitud se quiere invitar (compromiso).

DOS
Ser conscientes de los valores que encarnan o llevan implícitos los personajes. Los protagonistas suelen defender los valores del autor, con las mismas dosis de ideología que de empatía.

TRES
No confundir los conflictos sociales presentes y la existencia de elementos dramáticos en los que se apoya la acción, con desarrollar aspectos trágicos que envuelvan y se adueñen de la trama.

CUATRO
Intenta que la motivación de sus protagonistas y de la acción tengan una misión narrativa y social.

CINCO
En la toma de decisiones, apelar a una responsabilidad prospectiva, capacitante, que incida en lo que quede por hacer.

SEIS
Desde el comienzo tengamos nosotros claro qué preguntas queremos que el espectador se haga y cuáles serán sus respuestas. Así podremos jugar con las expectativas de quienes visionen el corto.

SIETE
Buscar en los mensajes propuestas de empoderamiento, control y cambio, ya sea personal o comunitario.

OCHO
En el desarrollo de la trama, procura guardar como sorpresa —la paralipsis de Gérard Genette— aspectos positivos y empoderantes.

NUEVE
Representar el entorno como elemento de caracterización social más capaz de humanizar y ayudar a la salud mental y a la relación que lo contrario.

y DIEZ
Construye un código visual que busque lo luminoso y la innovación. Que en conjunto, el tratamiento y el tono del audiovisual sea positivo e invitador a buenas prácticas.

© Carlos Gurpegui 2010

03 EL EQUIPO: I. El equipo artístico. Elenco • Pautas y pistas en la creación de un cortometraje


El equipo artístico. Elenco.


El equipo para la realización de un cortometraje se divide básicamente en dos: el artístico (actores, figuración, especialistas…) y el técnico (dirección, producción, cámara, maquillaje…).
Pueden participar desde tres personas, a medio centenar… Siempre dependerá de la financiación o los recursos económicos de los que dispongamos. No es lo mismo un rodaje profesional, con subvención y personal experimentado, que una práctica de instituto realizada entre amigos y favores. Hoy día, gracias a las nuevas tecnologías, cualquiera que disponga de una cámara de vídeo y un programa de edición (desde final cut, imovie, premier…), puede realizar una historia corta en formato audiovisual, y presentarla a diferentes festivales. Dicen que se ha democratizado el sector, todos los cambios son fruto de una evolución natural, y ahora todo el que quiera realmente ser “cineasta”, tiene al menos una oportunidad —que antiguamente— no estaba al alcance de su mano, ni de su bolsillo.

¿Cómo se puede formar un equipo en una producción de presupuesto cero? Aquí la respuesta es sencilla y clara, tirando de amigos o conocidos, que colaboran por amor al arte o intereses varios. Por ejemplo, los actores necesitan material para realizar su vídeobook, y si la propuesta de guión les parece interesante, seguramente digan que sí a un trabajo no remunerado, también la química con el director y crear “equipo” artístico de cara a un futuro son todo alicientes para participar. Para contactar con actores podríamos hablar de tres vías posibles:
1.- Agencias de actores, representantes. Si no conocemos a la actriz/actor, es la opción más correcta. Puede que el proceso se alargue, ya que debemos contar con el criterio de terceras personas. En este caso, contactamos con el representante o agencia por teléfono y lo primero que nos van a pedir es el guión del cortometraje, más los datos curriculares de la productora, o director.
2.- Escuelas de interpretación. Esta opción es muy recomendable, sobre todo en producciones amateur. Los actores que están en período de formación necesitan material audiovisual para sus bobinas (reel, vídeobook), estarán agradecidos de formar parte de un rodaje —quizá sea la primera vez— e incluso podemos convocarles a un casting, una experiencia que acompañará la carrera de cualquier aspirante a actriz/actor, y cuanto antes se familiaricen con ella, mejor. Es una buena oportunidad para descubrir nuevos talentos, y mostrar su trabajo más allá de la escuela.
3.- Internet. La red está llena de foros, webs especializadas, y tablones de anuncios donde podemos anunciar nuestro casting. También es una herramienta perfecta para poder ver los trabajos de actores que no conocíamos; por ejemplo a través de portales como You Tube, o Vimeo, donde cuelgan sus bovinas. Los actores suelen tener perfiles en las redes sociales como Myspace, o Facebook.

En conclusión, podemos decir que el acceso para conseguir el elenco deseado es múltiple y variado; sin descartar las recomendaciones directas de conocidos, y la posibilidad de buscar actores aficionados dentro de nuestro entorno más cercano, amigos y familiares. Lo que sí se recomienda es hacer una prueba, un casting (si se graba mejor) teniendo en cuenta algunos factores:
¿Es realmente el perfil que más se ajusta a mi personaje? No debemos empeñarnos en querer ver a otra persona dentro de la misma; es decir, no siempre un actor nos dará el perfil del personaje que deseamos y esto puede llevar a confusión o bloqueos en el proceso de dirección. Quien tiene la responsabilidad final es el director, a fin de cuentas acaba eligiendo él, así que no tengamos miedo a repetir pruebas en caso de duda.
¿Hablamos el mismo “idioma”, el actor y yo? Es importante que entre el director y el actor, fluya una buena comunicación. Los actores aprenden métodos de trabajo muy diferentes, y el director rara vez tiene formación en interpretación; se produce una laguna en cuanto al lenguaje, y suele ocurrir que si no tienen experiencia, se complique la búsqueda de un resultado. Por ello, trabajar en la prueba con el actor para familiarizarse y profundizar en la relación, puede llevarnos un tiempo que no esperábamos; debemos ser pacientes, y entender que es parte del juego, y un anticipo de lo que serán los ensayos.
Prueba de cámara. La prueba de cámara es fundamental para entrar en detalles como son la mirada, la expresividad, sensualidad, frescura…los rasgos de personalidad que una actriz/actor puede darnos a través de la pantalla; si nos fijamos bien, al grabar las pruebas nos sorprenderán algunos resultados que no hemos podido apreciar fuera de cámara. Siempre que podamos, antes de tomar una decisión, deberíamos tener el material grabado y ser minuciosos en el visionado posterior.
• Facilitar la relajación del actor. Los actores trabajan mejor si están relajados, si podemos facilitarles el llegar a ese estado, nos lo agradecerán y sacaremos lo mejor de ellos, sin duda un buen trato, y no mostrar signos de prisa o impaciencia, ayudará a que la experiencia sea más agradable para todos. No olvidemos que ellos nos están prestando tiempo, y atención sin ni siquiera saber si luego serán los “elegidos”, no está de más mostrarnos comprensivos, y agradecidos en todo momento.

Propuesta didáctica: Hagamos un casting.

1.- Crear dos equipos A y B.
El equipo A:
-Redactará dos perfiles de protagonista: uno femenino, otro masculino.
-Escribirá "una separata" (texto seleccionado para el casting): un diálogo chica/chico (la escena más importante de un guión "imaginario")
El equipo B:
-Formará parejas chica/chico, y se aprenderán el diálogo.

2.- Con una cámara, grabar lo que sería un casting.
El equipo A: Directores de casting.
El equipo B: Actores que se presentan a la prueba.

3.-Visionado posterior en grupo analizando los resultados, y cuáles serían las opciones que más se acercan al perfil creado. ¿Por qué?

© Eva Pallarés 2010

Cine y Salud en el VI Curso de Comunicación y Salud


El VI Curso de Comunicación y Salud tendrá lugar los próximos días 24 y 25 de noviembre de 2010 en el Salón de Actos del Edificio Nuevo de la Facultad de Ciencias de la Información de la U.C.M (Avenida Complutense s/n de Madrid). Como su título indica, esta edición se centrará en los nuevos escenarios y tendencias en tiempo de crisis. A lo largo de las charlas coloquio, mesas redondas, conferencias y workshops que tendrán lugar en el transcurso de las dos jornadas del curso, prestigiosos profesionales procedentes de entornos tan diversos como la administración sanitaria, la publicidad, el campo del entretenimiento, la investigación, el mundo académico o la información sociosanitaria, compartirán su visión y opiniones sobre los nuevos retos que la situación actual de crisis plantea en la comunicación en el ámbito la salud.
En este marco, la tarde del miércoles 24 se centrará en la Ficción y nuevas tecnologías en comunicación y salud, con una primera charla coloquio sobre el Edu-entretenimiento: El rol de la ficción en el discurso socio-sanitario, en la que participarán Roser Aguilar, directora y guionista de cine, y Javier Gallego, por el programa Cine y Salud, moderados por Ubaldo Cuesta, catedrático de la U.C.M.

02 EL GUIÓN: y IV. Los tres actos. Estructura clásica • Pautas y pistas en la creación de un cortometraje

¿Cuándo se aburre un espectador? Cuando no pasa nada. © Madrid 2008

Los tres actos. Estructura clásica.


Podríamos hablar de tres actos, como estructura clásica, para escribir nuestro cortometraje. Teniendo en cuenta la corta duración de un cortometraje, puede que el primer acto se cuente en una escena que de pie al resto. En un cortometraje debemos utilizar un lenguaje mucho más directo, y tener en cuenta que nuestros personajes carecen de largo recorrido, por lo tanto la empatía para con el público va a ser más costosa que en un largometraje. Una de las ventajas de la corta duración, es que no aburrimos al espectador (o no debiéramos aburrirlo). ¿Cuándo se aburre un espectador? Cuando no pasa nada. Es más, cuando no le pasa nada al protagonista. Puede que no esté sucediendo nada, pero ese nada debe afectar al personaje para que el público muestre interés y no se ponga a pensar en la lista de la compra. O al revés, está sucediendo de todo y el personaje no muestra nada... El caso es que debe haber movimiento interno o externo. Se trata de contagiar al espectador, emocionarlo.

Primer acto: Planteamiento

Durante el primer acto, se hace una presentación de los personajes principales, su entorno, los objetivos que persiguen, sus necesidades y la relación con otros personajes secundarios, se abren subtramas que apoyarán la trama principal. Al final del primer acto, ocurrirá algo que cambiará la situación de nuestros protagonistas: punto de giro. El punto de giro modificará la acción del personaje, y la dirección de la trama.
Por ejemplo:
Un joven camarero en su primer día de trabajo, tropieza y cae sobre un cliente que resulta ser el socio del dueño del restaurante. Ese mismo día le despiden, y se queda deambulando por la calle, sin saber qué hacer...

Segundo acto: Nudo

El segundo acto, es de mayor duración, puesto que será donde se desarrollen las acciones planteadas anteriormente, en el modelo clásico de estructura, un segundo punto de giro al final del acto, hará que se vaya complicando todavía más la situación, la tensión dramática aumenta y debe mantener en todo el momento el interés del espectador.
Si seguimos con el
ejemplo anterior: El joven camarero, pasea por la calle sin rumbo fijo, para evitar el fracaso decide no volver a casa. Finge que sigue en el restaurante. Saliendo de una tienda, se encuentra a un antiguo compañero de escuela. Entablan una conversación, y éste le cuenta que esa misma noche tiene planeado atracar una gasolinera, necesita un cómplice y le convence. Vemos como van preparando su atraco, incluso roban un coche para dirigirse a la gasolinera. Mientras su amigo atraca a la cajera a punta de pistola, nuestro joven protagonista espera dentro del coche en la acera de enfrente. De pronto llega un cliente, y resulta que es el socio del dueño del restaurante del principio. Se miran, y se reconocen.

Tercer acto: Desenlace

En el tercer acto se alcanza el momento más intenso de la trama: clímax. El protagonista se verá envuelto en un momento de mayor conflicto, y deberá tomar las decisiones definitivas que le llevarán a un desenlace u otro. Si quedasen cabos sueltos o historias secundarias no resueltas, sería en este acto donde culminarían. Es importante plantearse el cómo llegar al final, no quedarnos en un plano superficial de cuál es el final. Es decir, en una comedia romántica, ya sabemos que acabarán juntos el chico y la chica, pero lo que diferencia una película de otra, es cómo se llega a ese desenlace. De qué manera nos sorprende el guionista dentro una fórmula de sobra conocida por todos.
Siguiendo con nuestro ejemplo:
El protagonista ha sido reconocido creándose una situación tensa, ahora debe tomar una decisión crucial: huir, o deshacerse del testigo. Teniendo en cuenta que no es un delincuente experto, se decide por la primera: huir a toda velocidad y abandonar a su compañero. Este sale enojado, y dispara contra el coche... alcanzando a nuestro protagonista. Alguien ha llamado a la policía, el joven mortalmente herido detiene su respiración, de lejos se oyen las sirenas de los coches patrulla.

Este esquema sencillo, puede ser útil para un guionista novel. Una herramienta que nos empuje a crear, debemos ser flexibles, y no bloquearnos.
No tengamos miedo a escribir libremente, experimentar y seguir la propia intuición. Cualquiera que tenga experiencia en esta profesión, sabe que la frescura y la ignorancia de un principiante puede proporcionar grandes sorpresas. Los cortometrajes juegan con una ventaja: la libertad. Tenemos la oportunidad de explorar otros lenguajes audiovisuales, e historias más arriesgadas sin el constante miedo a “fracasar” en taquilla. Busquemos fórmulas creativas que estimulen el proceso sin estar al servicio del resultado “complaciente”.

Propuesta didáctica:
  • Crear por grupos, tramas principales con la estructura de los tres actos, teniendo en cuenta los puntos de giro. Luego analizarlos en clase.
  • Escribir (individualmente) una escena presentación de personaje.
  • Analizar cada ejercicio por grupos. ¿Cómo nos llega la información de cada escena, qué acciones, cómo son los personajes, qué quieren, qué necesitan...?

© Eva Pallarés 2010

02 EL GUIÓN: III. Los personajes dicen… • Pautas y pistas en la creación de un cortometraje


No se habla sólo con palabras. © Madrid 2008

Los personajes dicen...

Una vez, me preguntaron si lo que los actores decíamos estaba escrito, o era el propio actor el que se lo “inventaba”. Me quedé a cuadros… No fue la primera, ni la última vez que tuve que explicarle a alguien la figura del guionista, lo importante que es para nosotros, los actores, darle “vida” a esas frases escritas sobre papel. No es nada fácil escribir un diálogo con organicidad, y que además sea brillante. Vamos a detallar algunos puntos a tener en cuenta, a la hora de dialogar:

1.- Cada personaje debe tener personalidad propia a la hora de expresarse. Por supuesto, en toda obra audiovisual el trabajo de interpretación de los actores y la puesta en escena del director, serán de gran ayuda para este punto. Pero, no está de más que lo tengamos en cuenta a la hora de elegir cada palabra, las expresiones, y reacciones de los personajes, etc. Un personaje bien escrito, tiene voz propia, en la primera lectura debemos “ver” su personalidad. Para ello, nos servirá de guía la ficha biográfica que hemos escrito anteriormente, y su perfil psicológico. Así, evitaremos caer en un error bastante habitual: todos los personajes hablan igual, generalmente como el propio autor.

2.- No se habla sólo con palabras. Para no caer en el sobre exceso de información, debemos recordar que el lenguaje cinematográfico nos brinda la oportunidad de mostrar una mirada, un gesto, un silencio… a modo de réplica. No siempre debemos mostrar lo que diría el personaje, es mejor sugerir lo que podría llegar a decir, así atraparemos al espectador llamando su atención.

3.- El subtexto, es todo lo que pasa por debajo del texto. La acción interna del personaje en contraste con lo que dice, esconde todo un mundo de emociones e intencionalidad; puede servirnos también para elaborar estrategias, o para disimular un sentimiento. Por ejemplo; una simple conversación sobre el tiempo, en una escena de ruptura de una pareja, rota por el dolor.

4.- Los personajes deben reaccionar a lo escuchan. Parece una directriz para los actores, pero también debe tenerse en cuenta a la hora de escribir. No caer en el error de dar información para que “se entienda” la historia, saltándonos procesos lógicos y necesarios que hacen mucho más vivo el momento.

5.- Cuidado con las frases “imposibles”. Un ejercicio práctico es interpretarlas mientras uno escribe; verbaliza el texto, y si no te suena bien dicho por ti, lo mismo ocurrirá con los actores; puede que sea una de esas frases que no “pegan”, y suelen sobrar o ser sustituidas por una acción, una mirada, un gesto que ya exprese lo que queremos contar.

6.- Pulido final. Conviene revisar el guión, una vez finalizado, poniendo especial atención sobre el diálogo con la intención de pulirlo.

Propuesta didáctica
Por grupos, escribir diálogos en los siguientes contextos:

1.- Dos atracadores en un banco, hablando de fútbol.
2.- Una pareja rompe en un supermercado mientras hace la compra.
3.- Un interrogatorio donde el policía y el culpable son amigos de la infancia.

Trabajando el subtexto (la emoción por debajo del texto) y teniendo en cuenta las reacciones de los personajes.
Luego, representar la escena para comprobar si el diálogo funciona, y corregirlo si es necesario.

© Eva Pallarés 2010

02 EL GUIÓN: II. Sinopsis, tratamiento y ficha de personajes • Pautas y pistas en la creación de un cortometraje


De nuestra sinopsis se deducirán aspectos como el tono, y el propio estilo del guionista. © Madrid 2008

Sinopsis, tratamiento y ficha de personajes

No basta con tener una idea escrita y seleccionada. Ahora necesitamos centrarnos en los pasos previos que nos ayudarán a desarrollar el guión que vamos a escribir. Debemos tener en cuenta que cada apartado nos servirá para visualizar el resultado final y, por lo tanto, aunque parezca mucho más “trabajoso”, en realidad lo que vamos a conseguir es darle estructura a nuestro cortometraje, encajando cada pieza, para administrar mejor los tiempos y ubicar a nuestros protagonistas apropiadamente en cada momento, para dibujar un arco de personaje de principio a fin. Se habla de arco cuando se dice que un personaje a lo largo de una serie de sucesos se transforma, y llega al final de la historia diferente de cómo empezó; pero siempre se verá modificado. Cuando esto no sucede se dice que un personaje es “plano”, y puede llegar a ser aburrido.

Sinopsis: Es la narración resumida —en el caso de un cortometraje, no debería sobre pasar el folio— de la historia, contada en rasgos generales sin definir en profundidad los personajes, detallando únicamente las acciones. De nuestra sinopsis se deducirán aspectos como el tono, y el propio estilo del guionista.

Por ejemplo: Una señora se despierta y no encuentra a su mascota, un gatito de pocos meses. Decide preguntar a los vecinos, y llama puerta por puerta, a todo el vecindario. En cada hogar se verá envuelta en problemas y conflictos varios donde mediará para solucionarlos (aquí podríamos detallar en pocas líneas cuáles serán esos conflictos, personajes que se cruzarán en su camino, y cómo resuelve cada situación). Finalmente el gatito aparece atrapado en un hueco, entre el frigorífico y la pared de la cocina.

Tratamiento (secuenciado):
El tratamiento va más allá, resumiendo las acciones, y lo que sucede secuencia por secuencia. Todavía no se dialoga, pero ya podemos ver la estructura que tendrá nuestro guión; y los objetivos de los personajes. Conviene que en cada secuencia nos quedemos con ganas de más, de querer avanzar y nos “enganche” al leerlo.

Ejemplo:
SEC. 1. INTERIOR. HABITACIÓN DE TERESA. DÍA.
Vemos una habitación decorada estilo años cincuenta. Una mujer duerme en la cama, es una señora mayor, la misma que posa en una fotografía que hay sobre la mesilla de noche; en la foto aparece acariciando a un “gatito” gris. Suena un despertador, y ella se incorpora. Se extraña por algo, y busca por la habitación a su gatito, llamándole por su nombre: Michi. Vemos que poco a poco, como aumenta la preocupación de Teresa, al no encontrarlo.

El tratamiento nos puede servir si tenemos dudas sobre algún punto, sobre si se entiende la historia, lo que queremos transmitir, pasándoselo a terceras personas y escuchando su opinión. En caso de que queramos encontrar un productor, o amigo que quiera colaborar en el proyecto, la lectura del mismo reforzará nuestra idea y lo que queremos rodar finalmente.

Ficha de personajes:
Si ya tenemos claro con qué personajes vamos a trabajar, tanto los protagonistas como los secundarios; deberíamos hacer una ficha biográfica de cada uno. Escribiendo los detalles que mejor los definan, tanto por su aspecto físico como psicológico. También datos de su pasado que sean relevantes, y en pocas líneas su objetivo, lo que persigue el personaje, y hace que la historia avance. Una guía para el trabajo personal del guionista, pero no todo será mostrado posteriormente, es más bien un recurso útil a la hora de ir construyendo los personajes.

Por ejemplo:
TERESA MÍNGUEZ, Protagonista
Edad: 70.
Estado civil: Viuda.
Familiares: Una hija (a la que no ve desde hace tiempo), un nieto al que no conoce.
Datos biográficos: Vive sola, en una comunidad de vecinos del centro de Madrid. Su única compañía desde hace algunos meses es la de un gatito llamado Michi, al que adora y con el que comparte su soledad.
Objetivo: Encontrar a su mascota perdida. Después de no aparecer por la casa, decide salir a buscarlo preguntando a sus vecinos. Puede ser que alguno lo haya encontrado, ella cree que se ha podido escapar al sacar la bolsa de la basura la noche anterior.

Propuesta didáctica:
  • Redactar (puede ser un trabajo individual o en grupos de 3-4 miembros) una sinopsis, y luego desarrollar el tratamiento y las fichas de los personajes.
  • Intercambiar los trabajos, creando un coloquio/debate con la opinión de cada grupo respecto al trabajo de los compañeros.
  • Anotar las opiniones, y contrastarlas.
  • Observar qué sinopsis nos atraen más que otras, y por qué.

© Eva Pallarés 2010

Cine y Salud en la Escuela Andaluza de Salud Pública


© Fotos Ángel Luis Mena

Cine y Salud participó como herramienta de recursos audiovisuales de habilidades para la vida y empoderamiento en Granada, en la Escuela Andaluza de Salud Pública, dentro del III Curso de experto en promoción en contextos sanitarios, educativos y sociales, Módulo de promoción de la salud, determinantes sociales y salud pública, coordinado por Mariano Hernán y dirigido a profesionales del sector sanitario, educativo y de bienestar social que trabajan en proyectos o desarrollan actividades sobre los determinantes de la salud de las comunidades, los grupos y las personas a las que atienden.

02 EL GUIÓN: I. Conceptos básicos y generales • Pautas y pistas en la creación de un cortometraje

Cuantas más versiones, mejor. No tengamos miedo a empezar de nuevo, a borrar y deshacer sobre “la marcha”. © Madrid 2008

Conceptos básicos y generales


Nos enfrentamos, ahora sí, a la escritura de nuestro primer guión de cortometraje. Después de decantarnos por una idea concreta, ahora viene la arquitectura del proyecto. No nos olvidemos de algo muy importante: el guión es el esqueleto de nuestro cortometraje final; por lo tanto debemos darle toda la importancia que se merece. No es recomendable rodar si no estamos seguros de nuestro texto. Debemos decidir si escribimos nosotros mismos el guión, o bien, encargamos a un guionista-amigo-conocido-compañero de clase que nos lo escriba por encargo, a partir de nuestra idea. Suponiendo que no tenemos acceso a ningún candidato óptimo, y nos veamos en la tesitura de ser nosotros mismos “el guionista” debemos asumir que, la constancia, el trabajo y la reescritura formarán parte de nuestro proceso. Cuántas más versiones, mejor. No tengamos miedo a empezar de nuevo, a borrar y deshacer sobre “la marcha”; recordemos que la imaginación más productiva es aquella dúctil, y elástica. Para nada nos ayudará, en ninguna disciplina artística, la rigidez mental. Sustituyamos ese término por el de agilidad mental.

¿Cuántos minutos debe durar un cortometraje? Ésta es una de las primeras preguntas que se hace un cortometrajista novel; yo diría que no más de quince minutos. Para argumentar mi recomendación (no es una regla a seguir, por supuesto) os comentaré que los festivales de cortometrajes, en su mayoría, restringen en sus bases la duración de los trabajos, debido sobre todo a que las sesiones de proyección suelen ser compartidas por varios participantes, entre 5 y 10 trabajos. Por ello, siempre será beneficioso no sobrepasarnos con los minutos, como bien dice el refrán: lo bueno si breve, dos veces bueno. Entonces, ¿cuántas páginas debo escribir? Teniendo en cuenta, de que en cine se miden el minuto por página aproximadamente, más o menos entre quince páginas es una muy buena medida. La tipografía que se emplea universalmente para este formato es la de: courier new, 12 puntos.

El estilo debe ser directo, con un lenguaje sencillo y nada literario. Predominan las acciones de los personajes, y los diálogos. Utilizaremos la forma verbal en presente, y a la hora de describir los lugares, o lo que sucede en la escena, nos limitaremos a dar las informaciones estrictamente necesarias para el rodaje. Por ejemplo, si queremos que un sofá sea rojo, porque lo hemos decidido así y es imprescindible para nosotros, debemos mencionarlo en el texto para que el equipo de arte lo tenga en cuenta, pero si no fuera necesario detallar el color, ni la forma, etc. Simplemente diremos: “…Y se sienta en el sofá.” Sin más.

El guión se divide en secuencias que hacen que la historia avance. Éstas marcan el cambio de localización o tiempo, en rasgos generales. Cada vez que existe un cambio de lugar o tiempo, se pasa a otra secuencia. Los encabezados indican la siguiente información: Interior, exterior, noche, o día, y lugar donde sucede. Van siempre numerados y en mayúsculas. Por ejemplo: SEC. 1. INTERIOR DÍA. SALÓN. CASA PEDRO. Dentro detallaríamos las acciones y lo que dicen (diálogo) los actores/personajes. Pero antes de llegar a ese punto avanzado del guión, hablaremos de otros pasos a seguir, como son la sinopsis, el tratamiento y la escaleta.

Propuesta didáctica:
En grupos de cinco personas, leer varios guiones de cortometrajes, y verlos después. Analizando los puntos que hemos avanzado en este primer capítulo del guión:
  • Páginas/duración.
  • Cambios de tiempo y localización/secuencias.
  • Descripciones/planos en los que vemos las acciones que hemos leído. Observando en detalle, lo que se ve y se dice en el guión, y al revés lo que se dice en el guión pero no se ve en pantalla.
© Eva Pallarés 2010

Tres cortometrajes del Festival Cine y Salud 2010, seleccionados para el ProyectAragón en Zaragoza


PROYECTARAGON • IV Muestra Audiovisual Aragonesa
SESIÓN II: EducaProyecta

26 octubre, 19.30 h. Salón de Actos CAI.
Pº Independencia, 10. Zaragoza.

Entrada libre hasta completar el aforo de la sala.

VIII FESTIVAL DE CORTOMETRAJES Y SPOTS CINE Y SALUD 2010
  • Categoría A: Aula Aragonesa Modalidad Cortometraje. PRIMER PREMIO. Un balón y un pintalabios (IES Ramón y Cajal, Huesca)
  • Categoría B: Red Aragonesa de Salud. FINALISTA. Cuando llega… (Alcer Ebro)
  • Categoría C: Nuevos Entornos. PRIMER PREMIO. ¿Imaginación? (CEIP Vicente Ferrer, Valderrobres)

En la sesión también se proyectarán...
La escuela en la memoria
, de Ángel Gonzalvo y Carmen Pérez Espacio Documental para adolescentes CAI-ASC. Curso de iniciación al vídeo documental 2009 En la órbita de enfrente, de Alberto Molina, Isabel Marqués, Konstantin Borovskis, Marina Gros, Rocío Agudo, Valerio Sumurduc Escuela de cine Un perro andaluz Inteligencia relativa, Adolescentes Curso 2008-2009 Soy eco-lógico, Niños Curso 2008-2009 Zentrumclip. Concurso de Corto Express EL RETO Inheritance, de Alberto Gallardo y Luis Mateos. Ganador de EL RETO 2009 Misterioso Sesinato en tres minutos, de David Diestre y Alberto Cañete. Ganador de EL RETO 2010 ESCONDETRAS, de Artur Bardavío. Taller Zentrumclip IES Pirámide Huesca/Art Lab Ayuntamiento de Huesca 186.5, de Sandra Blasco Lisa, Raquel López Opla, Lucía Candela Díaz Pérez, María Tesa Serrate.

01 LA IDEA: y IV. Sobre "finales lúcidos" • Pautas y pistas en la creación de un cortometraje

Una idea lúcida es aquella que ya contiene un acertado desenlace. © Nueva York 2010


Sobre "finales lúcidos"

Nos encontramos ante varias ideas preseleccionadas sobre la mesa, ha llegado la hora de elegir. Decidirnos por alguna de ellas, es bastante complicado y sencillo a la vez. Unas pautas que nos ayuden a filtrar nuestras propuestas pueden ser las siguientes cuestiones:

1º.- Consultar a varias personas con perfiles diferentes (edades, nacionalidad, gustos…) Teniendo en cuenta sus argumentos a la hora de decantarse por una u otra historia. Siempre será útil, y una herramienta referente a la hora de posicionarnos. Con una variedad de opiniones obtendremos mejores elecciones, y nos dará más seguridad en nuestro criterio.

2º.- Barajar las dificultades, y facilidades que nos encontraremos a lo largo de todo el proceso. Viabilidad en cuanto a localizaciones, actores, atrezzo, equipo técnico, post-producción… etc.

3º.- Un buen final, o “final lúcido”. Muchas veces las ideas son abstractas y generales. Pero arrancar con una “mini” estructura desde la concepción del guión, siempre facilitará la escritura del mismo. No perder de vista el final nos ayudará a ser más concretos, perfilar cada secuencia y aportará claridad a nuestro trabajo.

Profundizando en el tercer punto; comentaremos algunos inconvenientes de no tener final. He leído algunos guiones de cortometrajes que aún estando muy bien redactados y dialogados, éstos carecían precisamente de un final. Se quedaban en meras situaciones de personajes pareciendo el principio de “algo”, de un posible largometraje. Dejando un vacío en el espectador, dado que la duración de un cortometraje, como su propio nombre nos indica, es una experiencia de corto recorrido. No debemos olvidar que la comunicación entre el autor y el público, dista mucho de una obra de hora y media, en la que nos da tiempo a comprender y lograr mayor empatía con los personajes, sus conflictos y contagiarnos de la atmósfera creada. Así pues, una idea lúcida es aquella que ya contiene un acertado desenlace.

Frecuentemente se cae en el error de divagar, o rellenar el guión con “paja”, cuando esto ocurre suele ser un problema para el guionista, sobre todo porque trabaja más de lo que debiera y malgasta las horas delante del ordenador sin rumbo fijo. Para evitarlo es tan sencillo como sentarse en el vagón a sabiendas de cuál será nuestra parada. Nuestra mente viaja mejor con un claro objetivo a cumplir.


Una propuesta didáctica, es la de intercambiar posibles finales a distintas ideas. Entre varios, seleccionar dos o tres ideas cada uno al azar, y luego entre todos reflexionar y nombrar diferentes desenlaces. Debatiendo sobre los siguientes puntos:
  • ¿Por qué es el mejor final? Argumentando la situación, y lo que provocaría en el espectador.
  • ¿Es posible un “final abierto”? Si esto ocurre, analizar y argumentar qué es lo que refleja el autor, o cuál es la intención del mismo. ¿Por qué dejar al público la posibilidad de interpretar libremente la historia?
  • ¿Un “final feliz” es siempre más gratificante para el espectador? Observar cómo cambia el mensaje que le llega al público, desde el punto de vista: final negativo, o positivo.

© Eva Pallarés 2010

01 LA IDEA: III. ¿De 'dentro a fuera', o de 'fuera a dentro'? • Pautas y pistas en la creación de un cortometraje

Seleccionar un momento crucial en la vida del personaje, imaginarnos cuáles serían sus anhelos, pensamientos y sentimientos... © Boston 2010


¿De 'dentro a fuera', o de 'fuera a dentro'?

Nuestro mundo interior, puede que sea de lo más rico y variado… nuestra fuente de información preferida, nuestra elección más personal y nos consideremos mejores autores, más honestos y desde luego, más expuestos. Como si nosotros mismos fuésemos el escaparate de nuestros disparates, aciertos y errores particulares. Pero, puede que agotemos nuestros recursos más orgánicos, y nos estemos asomando al vacío, al precipicio de un folio en blanco; es decir: ya no tengo nada más que contar.

No es nada recomendable sentarse a escribir desde el abismo o la ansiedad, nuestros músculos se bloquean, y las ideas no llegan… Mírate bien al espejo; hecho un trapo es lógico y comprensible que las musas prefieran llamar a la puerta del vecino… El ejercicio de “dentro a fuera” como vemos no es 100% eficaz, por lo tanto deberemos guardarnos más de un As bajo la manga. Aprender a ser más resolutivos —con calma— barajar otras posibilidades más ventajosas e inmediatas.

Por poner varios ejemplos; tenemos por un lado las adaptaciones literarias: Adaptar un relato corto, cuento o inspirarnos en una novela o en un capítulo que nos llame la atención. Jugar a distorsionar, cambiar, invertir roles ya descritos, pensados y contados por otro autor. Serán una fuente constante de inspiración. Dentro de este mismo apartado, pero en diferente categoría nos encontramos con los libros de historia, de donde sacar hechos relevantes o personajes históricos. Seleccionar un momento crucial en la vida del personaje, imaginarnos cuáles serían sus anhelos, pensamientos y sentimientos en circunstancias determinadas, una de las ventajas es que la “construcción de nuestro personaje” nos resultará más llevadera, y partiremos con muchos datos importantes a desarrollar.

Ya en el presente, cada día, en los periódicos se leen noticias que esconden un buen guión —la realidad supera la ficción—, o tocan temas de actualidad que nos preocupan, y nos provocan la escritura. Esta fuente de información, nos puede conectar fácilmente con la conciencia colectiva de nuestros coetáneos, y quizá llegar a un público más amplio. También las anécdotas contadas por amigos, o terceras personas o las experiencias personales nos aportarán luz en momentos de sequía emocional. Me gustaría incluir un apartado para los sueños, cuando dormimos nuestro subconsciente nos muestra toda una galería de imágenes, sucesos, acciones, y vivencias que si podemos recordarlas al despertar, pueden aportar buenas ideas que siendo conscientes no habríamos pensado nunca. Otras píldoras a tener en cuenta son: la música, un cuadro, un callejón, un paisaje… Bien, porque nos muestran una localización envidiable, o una atmósfera determinada.

Propuesta didáctica
Dividirse en grupos de 3 a 5, y elegir una misma fuente de información (por ejemplo una noticia, cuadro, o relato breve) Luego, que cada uno presente una sinopsis (un párrafo contando la historia del futuro guión) y comparar unas con otras. Analizando los siguientes puntos de reflexión:
  • ¿Qué quiero contar?
  • ¿Cuáles son las diferencias entre mi historia y la fuente de información elegida? ¿Por qué?
  • ¿Qué mecanismos hemos empleado para personalizar la información?¿Por qué?
  • Similitudes y diferencias entre los diferentes trabajos.

© Eva Pallarés 2010

El Festival PLURAL + 2010, en el que Cine y Salud es partner, entregará sus premios en Nueva York el próximo 12 de noviembre


Nos unimos a la celebración del Festival Juvenil de Vídeo PLURAL + 2010, ceremonia de entrega de premios que tendrá lugar en el Centro de Paley para Medios de Comunicación de la ciudad de Nueva York el próximo 12 de noviembre de 2010. Un prestigioso jurado internacional seleccionó a un ganador para cada una de tres categorías de edad (9-12, 13-17, 18-25 años) en estos vídeos que abordan la migración, la diversidad y la inclusión social. Las organizaciones partner de PLURAL + también concederán otros premios y oportunidades profesionales a sus ganadores.

Usando cámaras de vídeo y creatividad, niños y jóvenes de alrededor del planeta crearon su visión de un mundo sin el prejuicio, estereotipos, discriminación, y la intolerancia. Respondiendo a una invitación por la United Nations Alliance of Civilizations (UNAOC) y la International Organization for Migration (IOM), jóvenes y adolescentes produjeron cortometrajes apuntando los desafíos de diversidad e integración, así como denunciando injusticias y proponiendo sus propias soluciones originales de crear sociedades globales.

El objetivo de los PLURAL + es el de asegurar el compromiso juvenil en estas publicaciones, tanto en niveles locales como globales, haciendo sus vídeos disponibles en una variedad de plataformas de medios de comunicación y la distribución conecta una red incluyendo difusiones, conferencias de festivales y acontecimientos en el mundo entero. En esta edición han participado jóvenes de más de 40 países del mundo entero. Un jurado internacional, incluyendo a cineastas prestigiosos como Idrissa Ouedraogo, seleccionó a los ganadores que serán reconocidos en la entrega de premios, en la que asistirán representantes de Naciones Unidas, profesionales de medios de comunicación y juventud.

Los partners internacionales de PLURAL+ son los siguientes: Anna Lindh Foundation, BaKaFORUM, CHINH India, Roots & Routes, Respect Magazine, United Nations TV, UNICEF, Media Education Center Belgrade, AlJadeed TV, UNESCO Audiovisual E-Platform, COPEAM, SunChild Festival, Cine y Salud del Gobierno de Aragón, SIGNIS, Center for Migration Studies New York, Royal Film Commission of Jordan, Universal Forum of Cultures Foundation, NEXOSAlianza, WNV, and the Paley Center for Media. En el 2010, PLURAL + forma parte del Año Internacional de Juventud, Diálogo y la Comprensión Mutua.

The PLURAL + 2010 Awards Ceremony will be held at the Paley Center for Media (25 West 52 Street, New York NY 10019) on November 12th at 6:00-8:00 PM. Tickets are free but reservations are mandatory Please RSVP at: plural@unaoc.org • Please visit the PLURAL+ site for additional information: www.unaoc.org/pluralplus

01 LA IDEA: II. Tormenta de ideas • Pautas y pistas en la creación de un cortometraje

Tormeta de ideas: Consiste en enumerar cuántas más, mejor; con la intención de resolver un problema planteado. © Boston 2010


Tormenta de ideas

Muchas veces he tomado el té con alguna que otra musa, pero quizá lo más interesante del proceso sea la tormenta de ideas que luego se genera. Un término muy utilizado en publicidad, pero en su versión cool: brainstorming. De todas las ideas, la mayoría irán a la papelera, pero es un buen ejercicio y si se hace entre varios, mejor. Consiste en enumerar cuántas más, mejor; con la intención de resolver un problema planteado. Para ello, no debemos temer la distorsión, ni la posiblilidad de que acabe metamorfoseando en algo completamente diferente u opuesto. Pues, de eso mismo se trata, de hallar la definitiva y mantener siempre la imaginación elástica, viva, orgánica.

Se pueden seguir unas pistas útiles para este proceso concreto:
  • Mente abierta y perceptiva: Escuchando a nuestros colaboradores, o si uno trabaja en absoluta soledad, atendiendo a nuestra propia intuición.
  • Evitar la negación: No se trata de tirar por tierra la solución que plantea el compañero, o de buscar ideas contrapuestas porque sí. La clave está en añadir, sumar, colaborar en la búsqueda de un objetivo común. Así evitaremos el bloqueo, y la ofuscación.
  • Improvisación: Jugar con la imaginación, y perder el miedo a la espontaneidad es una de las herramientas más útiles para avanzar sobre el folio en blanco.
Vamos comprendiendo que la inspiración es mucho más activa de lo que a simple vista parece. Un baile de neuronas nos invade la cabeza, y aparentemente no nos marca nadie el compás... un, dos, tres y probamos otra vez. El ritmo, y la velocidad depende de cada uno, y de lo entrenado que uno se encuentre. He de decir, que a veces es mucho más fácil si partimos de un tema o encargo ya predeterminado. Si nos piden que escribamos a cerca del alcoholismo juvenil, o recetas culinarias... automáticamente nuestro cerebro ordena una serie de pautas, según las experiencias vividas de cada cual. En ningún, los chaparrones son incompatibles, siempre enriquecen el trabajo de uno. Por poner un ejemplo, podríamos haber empezado barajando la idea de una historia protagonizada por un joven que se presenta a su primer día de clase, en una nueva ciudad y acabar escribiendo un guión de ciencia ficción con tintes futuristas.

Unas preguntas que pueden servirnos para poner orden dentro del caos, pueden ser:
  • ¿Qué quiero contar? Clarificar y saber cual es el motivo principal por el que nos convertimos en narradores, o contadores de historias. Seguro que algún que otro tema nos llama más la atención, y nos apetecerá abordar por encima de los demás.
  • ¿Cómo quiero contarlo? Responder a esta cuestión nos llevará al tono, género, y lenguaje del futuro guión.
  • ¿Para quién o a quienes va dirigido? Tener en cuenta las características socioculturales, edad, entorno de nuestro público nos colocarán en un lugar objetivo y analítico para seguir el criterio más acertado a la hora de tomar cualquier tipo de decisión en los diferentes campos de la composición.
Arriba hemos hablado del ritmo y velocidad; de como a mayor práctica mayor agilidad mental, si queremos que el universo de nuestra imaginación goce del infinito, debemos entrenarla. Una propuesta, es hacer improvisaciones, como se hacen en los talleres de teatro. Un ejercicio sencillo, mínimo para tres personas es Agencia de publicidadSí, señor. Se trata de recrear la siguiente situación:

Un cliente llega a la agencia de publicidad, donde le reciben dos creativos. Viene a presentar un producto innovador y revolucionario (inventado, e imaginario). Por supuesto, sus compañeros no tienen ni idea de lo que va a decir, y deben improvisar toda una campaña de publicidad, sobre la marcha. Será muy importante no contradecirse el uno al otro. Aunque todo suene a disparate, tendrán que convencer al cliente de que su producto es maravilloso, y en todo momento vendible. Además de la estrategia a seguir, y del marketing a medida.

La musa nos despide entre bostezos. Ha sido una tarde larga, y esperemos que productiva. Se ha oscurecido el día, sacamos el paraguas, y nos disponemos a volver a casa. Si alguna de nuestras ideas madura durante la noche, seguramente nos esperen largas horas delante de un ordenador, escribiendo y dialogando con nuestros nuevos amigos, los personajes.

© Eva Pallarés 2010

01 LA IDEA: I. ¿Dónde habitan las musas? • Pautas y pistas en la creación de un cortometraje

¿Cuál es la dirección que active nuestro GPS para llevarnos a nuestro destino creativo? © Boston 2010


¿Dónde habitan las musas?

Cuando se presentan sin avisar, uno les abre la puerta y las deja pasar. Igual, les sacamos un té con pastitas -en bandeja de plata- y a la mañana siguiente, nos encontramos el escritorio de nuestro ordenador preñado de archivos nuevos; ideas impacientes que parpadean a la espera de un desarrollo posterior.

Una manera pasiva de recibir la inspiración, que no siempre se presenta en situaciones de tanta comodidad, como cabe esperar. Si queremos provocar un estado de apertura donde la imaginación sacie nuestras ansias de hallar la perfecta sinopsis, seguramente tengamos que salir, nosotros, en busca de éstas esquivas y fértiles musas. Aquí, nos asaltará la duda de cuál es la dirección que active nuestro GPS para llevarnos sin contratiempo alguno, y en la mayor brevedad posible a nuestro destino tan deseado.

Pues bien, nuestra duda no despeja la nada sencilla ecuación que resuelve el misterio de un debutante enfrentándose con herramientas limitadas, y generalmente en soledad, a su primer trabajo audiovisual: el cortometraje. Más bien contribuye a un estado de confusión, y bloqueo inicial. A mí me gusta pensar, que las musas habitan en el mundo de las posibilidades... Amplio, y a la vez cercano. Es decir, si uno mira a su alrededor y a poco observador que sea, veremos que nuestro entorno está plagado de material suficiente que estimulen el germen de un futuro guión: Desde una frase captada al vuelo, una noticia que nos llama la atención, el armario desordenado, un rostro inquietante que nos cruzamos por la calle, o la nevera tanto llena, como vacía...

Quizá lo más importante es la pasión que nos provoque, un sentimiento pleno que se mantenga a lo largo de todo el proceso, es como si la idea tuviese como función activar todos nuestros sentidos y concentrarlos en la ardua tarea de la ¨creación¨. Por ese motivo, todo será mucho más fácil si partimos de una buena esquirla que se clave de lleno en nuestro corazón. Puede parecer un tanto romántico, pero en cada etapa surgen complicaciones, y momentos de crisis en los cuales la tentación de abandonar se sienta en el sofá, esperando a que le sirvan el té. Una buena dosis de amor, siempre nos hará más llevadera la paciencia, y la constancia; con la experiencia llega la técnica depurada, pero no conozco a nadie que se dedique al arte hueco de emoción. Podríamos pasar horas teorizando, pero lo que empuja al niño pequeño a colorear las paredes de su habitación con tanta decisión, no tiene que ver con palabra alguna, es un acto libre de expresión. ¡Pinta, luego pinto!

Vamos a escudriñar, paso a paso, en diferentes posts los temas principales que ordenen nuestra capacidad de contar historias, y narrarlas a través de imágenes en movimiento. Los temas a seguir serán: la idea, el guión, el equipo, la producción, rodaje, postproducción, exhibición y estreno. Teniendo en cuenta, que en cada apartado se nos abrirán nuevas puertas a las que llamar, como en estos momentos nos encontramos en el portal de un edificio de protección oficial, llamamos al telefonillo y nos responde nuestra querida musa. Algo cansada, y con tono melancólico nos invita a subir. Parece que no se ha equivocado el GPS esta vez, ahora veremos si nos entendemos con ella, y hablamos el mismo idioma. Con intriga, ya dentro del ascensor marcamos el octavo piso, y nos damos cuenta de que no llevamos ni bolígrafo ni cuaderno... Nos ha pillado desprevenidos, pero de cómo estar preparados para nuestro encuentro será algo de lo que nos ocuparemos la próxima vez.

© Eva Pallarés 2010

PAUTAS Y PISTAS EN LA CREACIÓN DE UN CORTOMETRAJE

Desde el weblog de Cine y Salud iniciamos una serie de temas con posts semanales que, bajo el título de Pautas y pistas en la creación de un cortometraje, ofreceremos reflexiones y recursos que seguro ayudarán a los trabajos que se realicen para el IX Festival de Cortometrajes y Spots. Estos son los bloques temáticos:

Didáctica y textos están elaborados por Eva Pallarés, actriz, guionista y directora de numerosos y reconocidos cortometrajes. Entre sus largometrajes destacan AzulOscuroCasiNegro (Daniel Sánchez Arévalo, 2006) y Amores Locos (Beda Docampo, 2008). Fundadora de Larisadelúltimo Producciones, también ha escrito y dirigido la obra de teatro eNBlanco (2009). Dirigió y presentó el programa de internet sobre marketing y publicidad adtitudtv (2009). Por otro lado, desarrollando su faceta como poeta y videocreadora, la actriz acaba de poner en marcha el proyecto Ewa Can Fly (2010).